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琴姐色彩肖像 | 见证美院正统

2020.02.22

浅析

色彩肖像

文:张永琴

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    近年来国内多个高等美术院校都把色彩肖像也就是亚博所谓的“彩头”纳入为必考之科目,相对于“彩头”而言,定义为考核“色彩肖像”则更为准确和贴切。


   至于如何练习色彩肖像的问题,亚博需要了解目前各大高等美术院校的考核需求,直白的说就是学校需要通过一场考试选拔什么样的美术人才。自2006年从事美术高考教育至今,多年的一线教学经验的总结,中国美术学院、中央美术学院、清华美术学院此类的世界一流的美术高等学府需要挑选的是具备一定的美术基础和较高的审美素养,眼界开阔、视野宽广并有相对扎实的文化功底有着综合艺术修养的优秀的学生。而并非是只是单纯的掌握熟练的绘画技巧,却有很大的局限性的单一技能的学生。也就是说完整系统的知识体系的建立和良好的审美素养比单纯熟练的掌握绘画技法更为重要。这也是我大量的让学生欣赏和品读东西方大师的优秀作品,不断提升学生的审美认知的重要原因。


    所以亚博必须站在巨人的肩膀上汲取养分。而众多的西方艺术家的作品及其观看亚博为亚博提供了学习的范例和思考研究的方向。


    在西方的绘画中以色彩肖像为题材的艺术创作由来已久并一直以来都占据了相当大一部分的比重。相比素描的表达亚博而言,色彩肖像的创作以丰富的色彩能更加多元的传达观念、情绪、和视觉美感。使观看者产生更多的遐想和对美的感受。一张优秀的色彩肖像不仅能够充分的表现画面的色彩关系,还可以捕捉到色彩与人物的精神特质,从而更加传神的表现人物的肖像。


    那么什么是“肖像”?肖像(Portrait)一词在西方的词义中要追溯到拉丁文,其语义脉络由意国语和西班牙王国语的re-traho和英法德俄语的pro-traho演化而来,都包含描绘、复现、取代之意。“肖像”一词在汉语中出现的较晚,但“肖”早在“说文”中就有解释:骨肉相似也。在汉语中,对肖像的定义是:用绘画、雕刻、塑造、摄影、刺绣等手段表现的人像。一般指画像或照片。肖像画是指“描绘人物形象的画”,是以绘画为载体的对于特定个体的形象的记录。


    从艺术史的书写中亚博可以看到肖像艺术发生与发展的脉络。在经过数千年的艺术发展中这一围绕着人对“自身”的认识及主观定位,变换着其表达亚博。古埃及和中世纪的肖像形象是为了满足于神圣的宗教情感,有符号意义,但又充满生命力的形象。那时的艺术创作核心始终是对人或神的描绘,人物形象是重要的组成部分。到了中世纪,宗教人物几乎是绘画的全部内容。与古埃及和中世纪的永恒的静态描绘截然不同,13、14世纪的画家的作品表现出了对瞬时的空间错觉产生的极大的兴趣。到了文艺复兴时期,绘画题材虽然丰富了起来,但人物肖像仍然占有很大的比重,这是个注重人性觉醒的绘画时期,文艺复兴的艺术家们在乔托的指引下建立起自然逼真的再现肖像亚博,追求个体的特征,追求画面的真实再现。“文艺复兴三杰”均在肖像艺术方面有着突出的成就,尤其是莱昂纳多·达·芬奇。他笔下的人物完美而鲜活,在他的作品《蒙娜丽莎》(图1)中可以看到他将古典的审美思想和细腻的观察完美的用艺术手法结合了起来,这张传世佳作也是隐没透视法运用成功的典范。亚博可以在雾霭般流动的空气中感受蒙娜丽莎精致而柔和的轮廓和其栩栩如生的神秘的微笑。



 图1   达·芬奇(Leonardo da Vinci 1452-1519) 蒙娜丽莎   


    这时理性的光辉到达顶峰,艺术家们热衷于研究透视、解剖学。达芬奇、丢勒、拉斐尔、丁托列托等等都是研究人体比例和结构的高手。他们留下了大量关于研究人物比例和结构的传世习作。在科学技术发展对艺术的促进中。艺术家们更系统更科学的了解和掌握了关于艺术理论体系的新方法,诸如透视、解剖、光学等知识,这些知识让亚博掌握了更多的“经验”。但同时也遮蔽了他们更加感性的、直观的、主动的对形象这一载体的再现。



图2 丢勒(Albrecht Dürer 1471-1528)戴手套的自画像


    十六世纪意国伟大的肖像画家提香是真正意义西方近代绘画的奠基人。他对于色彩的运用不仅影响了文艺复兴时代的意国画家,更对西方艺术产生了深远的影响。  


图3  提香·韦切利奥 (Titian Vecellio 1488/1490-1576)


    十七世纪是欧洲美术史上肖像画的顶峰时期,那个时代最主要的伟大的画家都是画人物的。如巴洛克的先驱卡拉瓦乔、对光影的捕捉细腻生动的天才肖像画家伦勃朗、西班牙王国影响最大的现实主义大师委拉斯贵兹(图4)、构图饱满有张力的巴洛克绘画大师鲁本斯。他们坚持写实的原则,生动细腻的刻画人物并且表达其精神面貌。



图4 迭哥·德·席尔瓦·委拉斯贵兹 (1599-1660) 教皇英诺森十世肖像


    十八世纪新古典主义的安格尔也擅长肖像画,他的构图严谨,细节丰富,用漂亮的线条提供了理想美的典范。



图5 安格尔(Jean Auguste Dominique Ingres 1780-1867)莫第西埃夫人


    现代主义的艺术家们在摄影技术的冲击下对于肖像艺术的功能性和叙事性进行了重新的审视和思考。印象派艺术家们的主观意识外化式、流畅而浪漫的色彩和光影亦是摈弃传统的绘画规则,对于肖像画艺术进行了新的探索。梵高的肖像画运用了与作品情调相适应的浓烈的色彩。具有强烈的主观表现,作品中充满了强烈的色彩与线条。19世纪以来塞尚、贾科梅蒂、培根等这些时期的肖像艺术则重在对绘画纯粹性的探索。而受到塞尚影响的之后的肖像艺术家们已经不再像过去一样逼真的再现,而是一面寻找真实的视觉,一面消解和重构人物形象。不断地在形象和构图上积极探索。亚博可以在马蒂斯、毕加索、莫迪里阿尼、席勒等肖像作品中看到艺术家们探索的轨迹。



图6 文森特.梵高(Vincent Willem van Gogh,1853-1890) 自画像 



图7 保罗·塞尚(Paul Cézanne  1839-1906)


    他的肖像画沉醉于形式结构上的探索,以一种沉静的体积和质感、平稳和浓重的色彩形成了一种庄严稳重的纪念碑式的视觉效果。



图8 阿梅代奥·莫迪利亚尼(Amedeo Modigliani 1884-1920) 



图9 埃贡·席勒(Egon Schiele  1890-1918)


    亚博无法在本文中诠释整个艺术史中肖像艺术的变化。但是可以在梳理一些具有代表性的艺术作品中窥见一斑。



图10 居斯塔夫·库尔贝(Gustave Courbet 1819-1877) 



图11 弗朗西斯科·戈雅(Franciscovde Goya 1746-1828)



图12 伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因(Rembrandt Harmenszoon van Rijn)



图13 爱德华·蒙克(Edvard Munch 1863-1944)



图14 巴尔蒂斯(Balthus  1908-2001)


    从西方艺术史来看色彩肖像的表现形式主要有写实、抽象和观念三种基本艺术类型。对于抽象的和观念的肖像艺术因为脱离了具象的载体,变得自由神秘而难以理解。过多的解读会削弱作品本身的意义,亚博不在这个层面进行过多的解读。



图15 弗兰克·奥尔巴赫(Frank Auerbach)


    奥尔巴赫的肖像画厚重的画面堆砌出老辣遒劲而又生猛鲜活的肌理。超越了审美的束缚和其他一般绘画经验,他的绘画作为一种记录的亚博,和美国抽象表现主义艺术家德库宁和瑞士存在主义艺术家贾科梅蒂有着很多的共同点。



图16 弗朗西斯·培根(Francis Bacon 1561-1626)


    培根直接以感觉为对象画出“真实”,以肖像的形象去追赶各种感觉。

    回归到中国的高考美术的标准来看,亚博可以从艺术史的经验中总结出,客观如实的再现和还原对象是评判一张试卷作品的一个最重要的衡量准则。

    那么便要求作者具备基础塑造形象的能力、熟练的色彩和光的运用及表达、娴熟的用笔及对于画面整体意向的把控。


1·形象

    对于形象的问题,苏格拉底认为是对原物外表的摹仿。柏拉图持相反意见,他认为对于外形的摹仿是一具形体的空壳。亚里士多德则认为应当按照事物“应该有的样子描写”,他倡导的是描写出个体特征,包含蕴藏的思想情感,以塑造令人愉悦的形象。

    当艺术家直面对象即模特的时候,是一个鲜活的,与对象共进退的过程。艺术家用自己的绘画经验和艺术语言不断的接近对象,构建和再现对象。在空白的画布上以一种新的秩序把鲜活的对象变换成视觉的再现。这样的绘画状态虽然只是视觉领域的体验,却具体落实到眼手耳心的所有感官互通。

    艺术形象放在绘画的语境里包含着两个维度:一、向外延展的形象维度。她是具备特征性的,逼真的,由形式和构成不断延展。二、向内联通的被遮蔽的看不见的部分,是更为深层的艺术精神和人格境域,这是存在于外在形象之后的另一广阔的领域,已步入了形而上的哲学范畴。

    艺术形象不但承载形貌,还关联仪态情感。他可以是具象的也可以是抽象的,但是两者都是对客观事物的再现。


2·色彩和光

    绘画作为一种视觉文化,依赖视觉这一媒介更直接的表达对象及内在情感。贝拉·巴拉杰在《色彩效果》一书中说“色彩直接触及灵魂”。

前文中列举的提香十分注重色彩和光的运用,笔触充满了丰富的表现力,自由奔放,提香的这种艺术表现手法也对西方艺术的发展产生了决定性的影响。


    有了光,便有了形状,有了体积,有了色彩。光线和色彩对再现艺术的影响从古至今始终存在,从古希腊开始,一直延续到印象主义,都不乏对光的运用。在印象主义之前,对光的运用更多的是为了烘托形象,他们把光消解在阴影和明暗中摹拟物象。从文艺复兴到十八世纪,这一时期对光的运用并不只是为了塑造形体的明暗,更多的则是为了渲染环境气氛或体现艺术家的思想。从达芬奇的“渐隐法”到卡拉瓦乔的“酒窖光线法”,再到伦勃朗的“明暗法”,这时着重的是亮与暗的对比,在强烈的对比中凸显形象。而印象主义的画家则开始注重表现光线本身,表达更为真实的光影,他们热衷于表达光、色、大气甚至于消解了物象本身。



图17 谢洛夫(1865-1911)


    谢洛夫19世纪的俄罗斯画家谢洛夫(1865-1911)的肖像画色彩绚丽响亮,用笔简练,自成一格。《阳光下的少女》是其优秀的肖像画作品之一。模特儿是谢洛夫的表妹,一位学习雕塑的艺术家。画面中的阳光对表现人物形象起到独特的作用,使肖像人物的气质在最理想的形式中得到淋漓尽致的体现。


3·笔

    笔意是传神的载体,不论是细致的描绘还是粗放的表达,用笔的张力都是直接体现作者对于观察亚博的载体。在中国的绘画和书法中尤重笔意的高妙。作者对于绘画的修养和心性会自然流露于其笔下。


 4·意向

    亚博沿着大师作品中思考的轨迹,所有对肖像形象的描绘都是对感觉的真实追求,画面中的每一根线条每一笔色彩都经营着整张作品的意向。画面的意向是作品整体的格调,是蕴含纯粹意义的情感对象。是画面饱含的力量,技巧和技艺在他之后显得不是那么重要。

    由于艺术高考自身的局限性,本着公正公平公开的原则很难在三个小时的一张作品中同时体现良多优秀的素养,如何在应试的过程中扬长避短的把自己的优势发挥好,在众多的试卷中脱颖而出便是值得所有艺术高考的老师和学生需要思考的问题。




《儿子》,布面油画,40cm×40cm,2019



《仓管员》,布面油画,60cm×60cm,2019 



《白色背景中的人物肖像》,布面油画,40cm×60cm,2019



《女学生》,布面油画,60cm×60cm,2020



《女青年半身肖像》,布面油画,60cm×80cm,2020



《色调研究系列》,布面油画,130cm×180cm,2006 



《人体习作》,布面油画,80cm×100cm,2004



《未完成的人体》,布面油画,140cm×180cm,2020



《黄昏》,布面油画,140cm×140cm,2012



《精神主义的世界在日落之前》,布面油画,150cm×160cm,2019 

 



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